Galerie POPOP

« Feedback » constitue le dernier volet d’une trilogie d’expositions explorant les fils conducteurs de la peinture contemporaine tels qu’ils se manifestent dans différents contextes géographiques et culturels. Alors que « Echo » s’intéressait aux systèmes de réflexion, de mémoire et de résidus au sein de la peinture, et que « Reverb » élargissait ces préoccupations à travers la perception, la distorsion et les conditions matérielles de la vision, « Feedback » se tourne vers un état où ces systèmes commencent à s’enchaîner, à se chevaucher et à se déstabiliser.

Dans sa forme la plus simple, la rétroaction se produit lorsqu’un signal est renvoyé sur lui-même. Dans des conditions contrôlées, cela peut produire une résonance ou une harmonie ; lorsqu’il n’est pas maîtrisé, il entraîne des interférences, des distorsions et un effondrement. Dans le paysage iconographique actuel — façonné par la reproduction constante, la circulation algorithmique et des notions de paternité de plus en plus instables —, le feedback est devenu une condition déterminante. Les images ne se stabilisent plus. Elles reviennent altérées, fragmentées et souvent méconnaissables.

Les œuvres réunies dans Feedback reflètent cette condition à travers des processus qui résistent à la fixité. Les systèmes se répètent mais ne se résolvent pas. Les gestes s’accumulent sans hiérarchie. Les images semblent se replier sur elles-mêmes, prises entre construction et érosion. Dans certains cas, cela se manifeste par une densité et une surcharge ; dans d’autres, par une interruption, un retard ou une rupture. À travers ces approches, la peinture n’est plus présentée comme un point d’arrivée stable, mais comme quelque chose en formation continue, façonnée par des processus récursifs tant internes qu’externes.

Feeback offre à cinq artistes exceptionnels la possibilité d'exposer en solo dans un cadre professionnel, sous l'égide de Pictura. Tous ces artistes ont été soigneusement sélectionnés et ne sont actuellement représentés par aucune galerie.

À partir de banques d’images trouvées – captures d’écran, coupures de journaux, images fixes tirées de vidéos et photographies personnelles –, Ben Williamson construit des peintures qui gravitent autour d’idées centrales à travers des séries d’œuvres, où chaque image alimente la suivante. Le sens n’est pas figé dans une composition unique, mais émerge de manière cumulative, à mesure que des fragments de mémoire personnelle et collective sont retravaillés, recontextualisés et réinvestis par la répétition. À l’inverse, Heidi Daehler adopte une logique plus intuitive et associative, permettant à des sujets disparates de coexister sans hiérarchie prédéterminée. Les figures, les objets et les environnements oscillent entre reconnaissance et abstraction, guidés par le toucher, la variation des matériaux et une volonté de renoncer au contrôle — produisant des images qui donnent l’impression d’être découvertes au moment même de leur création, plutôt que résolues à l’avance.

Ce sentiment de perméabilité s’étend aux peintures de Manuel Bisson, où les espaces intérieurs et extérieurs s’effondrent les uns dans les autres. Des formes semi-figuratives, des motifs organiques et des structures architecturales s’entremêlent pour produire des environnements qui semblent à la fois construits et instables, comme s’ils étaient régis par une logique en perpétuel déploiement. Dans ces œuvres, le paysage n’est pas représenté, mais métabolisé — émergeant comme une écologie changeante où la mémoire, l’émotion et l’expérience spatiale sont maintenues en tension. De même, Ara Osterweil part de rencontres directes avec des phénomènes naturels — paysage, temps, atmosphère — mais soumet ces impressions à des processus de teinture, de superposition et de collage qui brouillent tout point d’origine fixe. Le hasard devient structure, et la structure, à son tour, devient quelque chose de provisoire, ouverte à une révision constante.